首先，从构图角度来看，西方绘画倾向于使用直线、圆形等几何形状进行构图，这种方式使得作品具有明确的中心点和视线导向。比如，在达芬奇的《蒙娜丽莎》中，我们可以清晰看到一条平衡且引导人的视线流动，而中国传统绘画则更多采用曲线、自然界元素等非几何形状进行构图，使得作品呈现出柔和而自然之美，如李石若在其代表作《山水田畴古木参天》中，以优雅流畅的手法描绘了一幅生机勃勃又宁静安详的地球面貌。
其次，从颜色的应用上来说，西方艺术家更喜欢突破传统规则，将颜色用于强调情感表达或是创造空间效果。例如，在凡高的一些晚期作品里，他通过对立色的组合，如红色与绿色的对比，不仅增添了作品的情感丰富性，还有效地表现了他内心世界中的紧张与不安。而中国传统绘画则更加注重阴阳五行原理，即黑白灰搭配，以及其他五种基本颜料（红黄蓝绿青）的协调运用，以达到“淡泊明志”的境界。举例说明中西绘画艺术的差异，就像比较两位不同的旅行者，他们各自选择不同的路线去探索同一片土地，但每个人的旅程体验都有着截然不同的风景和故事。
再者，从技法方面分析，西方油画技术发展成熟，有着独特的手工艺品质，比如厚重浓稠的涂层能够营造出深沉的心境氛围。在马蒂斯的小提琴手系列作品中，每一次刷子划过布上的油漆，都似乎承载着无尽旋律与节奏，而这种材料处理让整个场景显得充满活力和戏剧性。而中国水墨作为一种最为纯粹、原始的手工艺，它不依赖于大量涂抹，也不追求纤细精致，更侧重于意境表达及笔触神韵。在唐代名家王维所作《渭城楼》的诗句“江雪”里，可以见到作者如何借助简单却富有力量的文字，用以描摹春秋四季变换带来的不同气息。
此外，从主题内容上看，西方艺术常常关注个人主义精神以及历史事件或社会现象，对社会环境有一定的反映作用。例如，在19世纪末叶印象派时期出现了一股新兴力量，他们通过捕捉日光下的生活瞬间，为城市生活增添了新的意义，并且对于工业化时代背景下的现代都市生活做出了敏锐观察。而中国传统文化虽然也包含历史题材，但更多的是将宇宙万物融入自身哲学体系之内，比如道教、佛教等宗教思想，它们在长时间内塑造了人们对于生命本质理解，使得大多数艺术品都带有某种程度上的超脱世俗的事实价值观念。
最后从审美心理上探讨，当我们欣赏不同文化背景下的艺术时，我们会发现自己的情感反应也是因素之一。在东方文化中，一幅简洁而含蓄的大师杰作能够激发我们的想象力，让我们自己去完成那未被直接描写部分；而在西方，则可能需要解释很多具体细节才能完整理解其中的情感表达。这就好似两位朋友分别从不同的窗口望出去，每个人眼前的风景虽相同，却因为他们内部世界不同，所以产生完全不一样的心灵体验。
总结来说，无论是从构图还是颜色的运用，再或者是技法乃至主题内容，都能很清楚地展示出当下主流文坛两大方向——即欧洲及亚洲——之间存在显著差异。这份差异正是由于它们各自独特的人文环境、历史沿革以及审美偏好所形成，同时也是人类智慧无限丰富的一个缩影。
